Eine Installationsansicht von Baselitz – Die Retrospektive im Centre Pompidou, Paris © CENTER POMPIDOU / Bertrand PrévostIn einem Interview im Katalog zu dieser großen Retrospektive sinniert Georg Baselitz darüber, was für ein Künstler er sei – er sei alles andere als ernst, er sei ein eingefleischter Experimentator, sagt er.„Tatsächlich“, erklärt er, „bin ich ein Monster.“Es ist klassische Baselitz.Eine der Schwierigkeiten, sein Werk zu sehen, liegt in den heroischen Mythologien, die es umgeben.Eine Gelegenheit, Baselitz in einer Zeit, in der Malerei im Überfluss vorhanden und aufregend vielfältig ist, neu zu betrachten, ist willkommen.Die frühe Biographie von Baselitz ist entscheidend für die Heldenlegende.Er wurde 1938 als Hans-Georg Kern geboren und wuchs in Deutschbaselitz, einem Dorf in Sachsen, im Osten Deutschlands, auf.Sein Vater, ein Lehrer, war überzeugter Nazi, und der junge Hans-Georg erlebte eine Woche nach der Bombardierung der Stadt durch die Alliierten die Trümmer Dresdens aus nächster Nähe.Bekanntlich sagte er einmal, er sei inmitten „einer zerstörten Ordnung, einer zerstörten Landschaft, eines zerstörten Volkes, einer zerstörten Gesellschaft“ aufgewachsen.An der Kunsthochschule in Ost-Berlin ab 1956 lehnte er sofort die Doktrin der Lehrer ab.Baselitz sagt, dass sich wenig moderne Kunst aus Westeuropa in die Deutsche Demokratische Republik eingeschlichen habe, aber er habe genug über Picasso gelernt, um seine Sprache in seine frühen Experimente einzubeziehen.Er wurde dafür ausgewiesen und ging 1958, drei Jahre vor dem Mauerbau, nach West-Berlin und nahm den Namen seines Dorfes Baselitz an.Er begegnete den Abstrakten Expressionisten – er mochte besonders Pollock, De Kooning und Guston –, aber er fand wenig Befriedigung von der vorherrschenden europäischen Abstraktion.Sehr prägend waren auch Reisen nach Paris und Amsterdam: Er begegnete Gericault und Soutine, Dubuffet und Michaux.Dies war die Grundlage für das, was folgte.Der letzte Raum der Ausstellung ist eine Rückkehr zur Form und zeigt Gemälde und eine Skulptur Winterschlaf (Winterschlaf, 2014), die über den alternden Körper Bertrand Prévost nachdenken;© Centre PompidouVon Anfang an wusste Baselitz kompromisslos, was er wollte – oder, vielleicht noch wichtiger, was er nicht wollte.Anstatt die historische Kultur zu zerreißen, wie es Bewegungen wie Dada taten, wollte er in der großen Kunst der Vergangenheit verweilen, von der er ein angesehener Sammler geworden ist, aber sie dekonstruieren und etwas Neues schaffen.Mit Anfang 20 schrieb er mit Eugen Schönebeck zwei Pandemonium-Manifeste, die in der Ausstellung erscheinen, gespickt mit intensiven Tuschezeichnungen von Baselitz.Beeinflusst vom transgressiven Absurdismus von Antonin Artaud und Samuel Beckett, waren sie Baselitz' Antwort auf die kulturellen Ruinen des Nachkriegsdeutschlands.Das Gemälde G. Antonin, eine brodelnde Masse von Farbe wie Fleisch, mit riesigen erigierten Penissen, gehört zu den groben, erbärmlichen Werken, die die Ausstellung dramatisch eröffnen.Es erinnert an die ersten Zeilen des Pandemonium-Manifests: „Dichter lagen in der Gosse, ihre Körper im Morast.Der Speichel der ganzen Nation, der auf ihrer Suppe schwimmt.“Baselitz' brutale frühe Fußmalereien sind hervorragend.Anspielungen auf Soutines Fleisch und Gericaults Studien von abgetrennten Gliedmaßen für das Floß der Medusa sind klar, aber es ist unmöglich, sie nicht mit Gustons Füßen zu vergleichen, die einige Jahre später gemalt wurden.Baselitz hatte bereits Gustons Abstraktes gesehen, und die fleischige Sprache des amerikanischen Malers war schon vor seiner Rückkehr zur Figuration im Jahr 1969 offensichtlich. Ist Guston hier irgendwie in Baselitz' Zeichen präsent?Wie auch immer, es war die Körperlichkeit der Abstrakten Expressionisten, weniger die geistige und intellektuelle Grundlage ihrer Werke, die den jungen Baselitz anzog.Georg Baselitz in seinem Atelier, 2021. Foto: Christoph SchallerDie Gemälde, die das berüchtigtste Produkt der Zeit des Pandemonium Manifesto sind, Die große Nacht im Eimer (1962-63) und Der nackte Mann (1962), führten zu einem Gerichtsverfahren wegen Unanständigkeit 1963 in der Galerie Werner und Katz am Kurfürstendamm gezeigt. Sie verblüffen bis heute.Wieder entstehen Erektionen aus erbärmlichen Körpern: Die Große Nacht im Eimer, mit einer Figur in Shorts, deren Penis aus dem Hosenschlitz hervorragt, basiert zum Teil auf einer Geschichte des irischen Dichters Brendan Behan, der seinen Schwanz während einer Lesung herausholt, ist es aber gewesen als Selbstportrait gesehen.In Der nackte Mann ist es, als ob der Penis aus fauligem Fleisch ragt.In der krudesten malerischen Sprache realisiert, sind diese Bilder natürlich derb und sardonisch, aber in vielen späteren Arbeiten von Baselitz scheint etwas in ihnen zu verschwinden: eine Verwundbarkeit im Absurden.Trotz ihrer Motive sind dies keine Machobilder;sie sind anti-heroisch und evozieren menschliche Ohnmacht angesichts überwältigender gesellschaftlicher Bedingungen.Nach dem Skandal ging Baselitz 1965 nach Florenz und von hier aus fließt seine Besessenheit mit dem italienischen Manierismus in sein Werk ein: Er will die Verzerrungen und Verzerrungen dieser Bewegung, aber sie mit naiver Rohheit verbinden.Und er malt einige seiner besten Leinwände.Die Serie ist als Helden (Helden) bekannt geworden, aber sie ist alles andere als heroisch im herkömmlichen Sinne.S-Bild (1965) ist ein Selbstporträt mit einem nekrotisch aussehenden Arm, Rippen wie zerfetztes Fleisch über Baselitz' Oberkörper und einem stark geschwollenen Hals.Das Manifestbild für diese Zeit, Die Großen Freunde, 1965, sieht zwei Figuren, die isoliert voneinander vor einer apokalyptischen Szene stehen – der „zerstörten Landschaft“, die Baselitz beschrieb – mit einer schlaffen Fahne zu ihren Füßen, Symbol für seine geteilte Heimat .Eine Installationsansicht von Baselitz – Die Retrospektive im Centre Pompidou, Paris © CENTER POMPIDOU / Bertrand PrévostDer nächste Schritt von übertriebenen Körpern war die Fragmentierung und schließlich die Inversion.Baselitz' berühmter Bruch, der Wechsel zum auf dem Kopf stehenden Motiv von 1969, wird fast als zwangsläufig dargestellt.Zuerst sehen Sie, wie er, auf dem deutschen Land lebend, die Fracture-Bilder gemacht hat.Diese werden unter anderem durch das surrealistische Gesellschaftsspiel Exquisite Leiche informiert.Der Körper wird schmerzlich in eine Baumlandschaft absorbiert, zuerst auf die Seite gekippt und schließlich auf den Kopf gestellt.Die frühesten umgekehrten Bilder, die aus Fotografien entstanden sind, zeugen von der Freiheit, die Baselitz nach eigenen Angaben gewonnen hat – sie sind verspielt, mit unterschiedlichen Motiven und Stilen, vielleicht am besten veranschaulicht durch Fingermalerei – Adler (Fingermalerei – Adler, 1972).Die folgenden Galerien zeigen dann, wie Baselitz die auf dem Kopf stehenden Gemälde verfeinerte, die Abstraktion verstärkte und in seiner Herangehensweise an die Figur reduzierter wurde.Der heute auf einem niedersächsischen Schloss lebende Baselitz schuf das Werk, mit dem er während des Neo-Expressionismus-Booms der frühen 1980er Jahre berühmt wurde.Die Kuratoren präsentieren diese Bildsequenzen auf wunderschöne Weise, von den verzerrten Akten von Baselitz und seiner Frau Mitte der 1970er Jahre bis hin zu der Serie Mann im Bett (1982), die für die Zeitgeist-Schau in Berlin 1982 als Reaktion auf die entstanden ist expressionistische Gedichte von Georg Trakl bis hin zu Werken des gleichen Jahres nach Edvard Munchs Selbstbildnis in der Hölle (1903).Aber für mich stellt sich eine gewisse Taubheit gegenüber Gemälden ein, die uns sicherlich bewegen sollten.Man kann die bildliche Logik in Baselitz' Fortschreiten sehen – es ist bis zu einem gewissen Punkt eine fesselnde Reise –, aber es ist, als ob der Stecker aus der elektrischen Ladung der früheren Arbeit gezogen wurde.Die Farbe ist stumpf, jede Subtilität ist verschwunden.Wo er zuvor eine neue Interpretation des Manierismus bot, wird Baselitz jetzt manieriert.Seine Skulpturen, die im deutschen Pavillon der Biennale in Venedig 1980 aufgrund eines offensichtlichen Hitlergrußes in Modell für eine Skulptur (1979-80) einen Sturm auslösten, verraten ein oberflächliches Verständnis der von ihm gesammelten afrikanischen Skulpturen, wo seine früheren Gemälde es getan hatten produktiv mit ihren Quellen auseinandergesetzt.Die Kuratoren fassen die Wildnisjahre der 1990er und 2000er Jahre, in denen Baselitz den Faden verliert, seine eigenen Arbeiten remixt und allgemein auf der Stelle tritt, in einigen Räumen klug zusammen.Erst im letzten Raum kehrt er zur Form zurück.In einer Folge von Figurenbildern mit reduzierter Farbpalette reflektiert er den alternden Körper – seinen eigenen und den seiner geliebten Frau Elke.Eine reagiert teilweise auf einen Krankenhausaufenthalt, der unmissverständlich an eine Röntgenaufnahme erinnert.Dies sind strenge, aber zarte Gemälde mit einer neu entdeckten Poesie und malen so lebendig wie in den früheren Serien.Dies ist in vielerlei Hinsicht ein perfekt beurteilter Überblick über einen bedeutenden Maler der letzten 60 Jahre.Aber wie wichtig?Andere Künstler treiben ihre Vorfahren letztendlich in die Zukunft und in meinen vielen Gesprächen mit Malern kann ich mich an keinen erinnern, der Baselitz als Einfluss erwähnt hätte.Er ist eine einzigartige Figur – in der Tat eine monströse Präsenz –, aber keine Garantie für dauerhafte Bedeutung.Baselitz – Die Retrospektive, Centre Pompidou, Paris, bis 7. März 2022Kuratoren // Bernard Blistène, ehemaliger Direktor, und Pamela Sticht, Kuratorin, Musée National d'Art Moderne, Centre Pompidou• Ben Luke ist Review-Redakteur und Podcast-Moderator bei The Art Newspaper